CUMPLEAÑOS DE UNA MUJER CRIADA POR EL ARTE MISMO: Mónica Pelay: Una historia con el Tango en la sangre. | El Tordo Gotán

 

Cantante, compositora y actriz, celebra hoy un nuevo cumpleaños después de más de dos décadas de recorrer una senda propia, donde la canción porteña convive con el teatro, la poesía y los lenguajes de la música contemporánea.

No levanta la voz, puede mirar hacia atrás, a su historia familiar y, al mismo tiempo, avanzar con andar personal. Es la construcción artística que edificó Mónica Pelay, una artista que entendió que respetar al tango no significa dejarlo quieto.

Hay algo de escenarios de sus ancestros incluso cuando canta. Tal vez sea inevitable: el teatro forma parte de su paisaje familiar. Su padre fue el escritor y director Horacio Pelay; su abuelo, Ivo Pelay, que dejó una obra enorme en el teatro musical argentino y puso su firma, entre tantos trabajos, en las letras de "Adiós Pampa Mía" y "La Morocha". Pero la nieta no recibió ese legado para convertirlo en pieza de museo.

Con más de veinte años de trayectoria, Mónica fue construyendo otra conversación con la música ciudadana. Su interpretación se permite respirar, escapar de los moldes y encontrarse con sonoridades brasileñas, contemporáneas y electrónicas. De allí surgieron trabajos como "Sutil", el EP "Mo", "Tango Calle" y, más recientemente, "En Calma".

También está la escena, donde su condición de actriz se vuelve parte del lenguaje. "LaTango" y "Tango Frontera" son pruebas de esa mirada que entiende al género como relato, cuerpo, poesía y memoria.

Hoy, en el día de su cumpleaños, Mónica Pelay celebra  con una certeza: el tango puede conservar su perfume de Buenos Aires y, sin perderlo, seguir descubriendo caminos.

Tango | A 106 años de su nacimiento: Carlos Saavedra, aquel cantor que soñaba con el año 2000 | El Tordo Gotán

 

Nació en Bragado y desde muchacho se dejó ganar por la bohemia del tango. Pasó por las orquestas de Roberto Zerrillo, Jorge Pino y, fundamentalmente, Rodolfo Biagi. Grabó apenas siete obras, pero dejó en ellas el testimonio de una voz que supo hacerse lugar en una época de grandes cantores.

Carlos Mateo Gardella nació en Bragado un 2 de octubre de 1920. El tango lo encontró temprano, entre carnavales, clubes de pueblo y aquellas orquestas que eran escuela y destino. Allí empezó a cantar Carlitos, antes de convertirse en Carlos Saavedra, el apellido materno que llevaría para siempre.

En 1940, junto a la orquesta de Roberto Zerrillo, llegó a O'Brien y participó de un concurso relámpago para aficionados. La medalla de oro fue suya. Después vino Buenos Aires, Radio Prieto y el nombre de Carlos Braga, acompañado por Enrique De Lorenzo, "El Pibe de Oro". Compartió audiciones con Hugo del Carril y Azucena Maizani, y también pasó por Radio Argentina y el Bar Marzzotto.

Pero fue en 1946 cuando su nombre quedó definitivamente ligado al de Rodolfo Biagi. Con el maestro grabó siete obras: "Mientras duerme la ciudad", "Gracias", "Por eso grito", "Sin palabras", "Esta noche me emborracho", "Margot" y "Por la güeya". Siete registros que hoy son toda su discografía.

Después siguió como cantor nacional, entre bares, confiterías y cantinas. También pasó por Radio El Mundo, Splendid y Uruguay.

El 12 de noviembre de 1972, en Lanús, un accidente cerebrovascular hizo que Carlos Saavedra partiera cuando contaba 52 años. Esa noche esperaba, ilusionado, debutar en un nuevo restaurante.

Su esposa lo recordó años después como aquel muchacho bohemio que no medía la vida en dinero y que, cuando hablaba, siempre miraba hacia adelante. Hablaba del año 2000. No llegó a verlo. Pero su voz, aquella voz de Bragado, todavía conversa con nosotros desde el surco.

CUMPLEAÑOS DE UNA CANTORA ARGENTINA: Beatriz Villar, una comprometida con su causa y con la memoria | El Tordo Gotán

 

Nació un 30 de septiembre y desde aquella infancia en la que escuchaba cantar a su madre fue construyendo, casi sin proponérselo, una vida alrededor del tango. Escenarios, radios, teatros, discos y encuentros con grandes nombres de la música popular acompañaron un camino sostenido por la identidad.

La faceta artística de Beatriz Villar nació en su casa, entre los discos de Carlos Gardel que coleccionaba su padre y los tangos que su madre cantaba mientras hacía las tareas domésticas. Antes de los grandes escenarios estuvieron el almacén, la peluquería, la carnicería y aquellos vecinos que, al reconocerla, le pedían una canción.

En la escuela cantó "La morocha" y hasta llegó Canal 13 para filmarla. Más tarde, en la adolescencia, el folklore la llevó por peñas y radios porteñas. Pero fue en 1989, al ganar el concurso para convertirse en vocalista de la Banda Municipal de Lomas de Zamora, cuando el tango tomó definitivamente el centro de su historia.

En su camino también estuvieron los teatros, las radios, "Grandes valores del tango", el concurso "Hugo del Carril" y, en 1994, una escena inolvidable: compartir la Plaza Grigera con Osvaldo Pugliese. También Nelly Omar, su madrina artística, ocupó un lugar entrañable en ese recorrido.

Grabó los discos: "Amigos que yo quiero", "Gardela de Guaminí", "Yo, mujer" y "Volver en guitarra", este último con 24 canciones, nueve de su autoría, dedicadas a los afectos, al barrio y a la memoria.

Hoy Beatriz Villar celebra un nuevo cumpleaños. Y acaso no haya mejor manera de saludarla que recordando aquello que empezó cuando era niña: cantar porque había una canción adentro y porque siempre hubo y hay alguien dispuesto a escucharla.

A 123 años de su natalicio: César Ginzo, un bandoneón de San Telmo que dejó su huella en el tango | El Tordo Gotán

 

Nació en una cortada de San Telmo y, casi de casualidad, encontró en un bandoneón comprado mientras trabajaba de dactilógrafo el rumbo de una vida consagrada a la música. Integró orquestas fundamentales y recorrió escenarios de Europa y Buenos Aires.

En aquella cortada Luján, en el corazón de San Telmo, nació Justo César Ginzo el 29 de septiembre de 1903. El tango todavía buscaba su destino y aquel muchacho que se ganaba la vida como dactilógrafo de una empresa metalúrgica no imaginaba que un bandoneón iba a cambiarle para siempre el paisaje.

«Compré el primero siendo dactilógrafo... era marca El Argentino y su precio $350. Lo agarré al revés, pero me gustó y lo llevé», recordó muchos años después. No sabía música. Pero tuvo la fortuna de encontrarse con Domingo Julio Vivas, quien le enseñó de oído un puñado de piezas y lo empujó, casi sin proponérselo, hacia los escenarios.

En 1923 debutó en el Café Domínguez. Después llegaron Geroni Flores, Juan Carlos Bazán, Juan Carlos Cobián y aquel primitivo sexteto de Carlos Di Sarli que, aunque no llegó a registrar discos con Ginzo, quedó ligado a una de las historias más lindas de aquellos años: la composición de «Milonguero viejo (Fresedo)».

La década del treinta lo encontró viajando por España, Italia, Francia, las Islas Canarias y ciudades africanas. En Barcelona dejó registros junto a Geroni Flores. De regreso, volvió a asociarse con Armando Baliotti y más tarde condujo sus propias orquestas en radios, hoteles y locales de Buenos Aires.

También compuso. «Corazón callate un poco», «El tábano», «Sin ternura», «Noche de San Juan» y «En un rincón de Hungría» son parte de ese legado, al que sumó páginas folclóricas como «Camino de San Javier».

Ya retirado y radicado en Mar del Plata, César Ginzo partió el 11 de marzo de 1983. Pero el bandoneón que alguna vez tomó al revés había encontrado su camino. Y él, el suyo.

A 116 años de su nacimiento, el recuerdo de un pianista de estirpe tanguera: JOSÉ PASCUAL, EL PIANO QUE LE DIO NUEVOS AIRES AL TANGO | El Tordo Gotán

 

Nacido en Tucumán, el 28 de septiembre de 1910, fue uno de los intérpretes que contribuyeron a renovar el lenguaje de la música porteña. Pianista, director, compositor y arreglador, dejó su sello en el tango de avanzada y una obra que todavía resuena en la memoria de los buenos aficionados.

Fue de esos hombres que pasaron por el tango dejando mucho más que unas cuantas páginas musicales. José Pascual fue un temperamental, dueño de una personalidad bien definida y heredero de aquella escuela pianística que tuvo en Francisco De Caro, Osvaldo Pugliese y Armando Federico a sus principales referentes, supo ganarse un lugar entre los destacados cultores del instrumento.

Apenas contaba quince años cuando comenzó su carrera, allá por 1925, en un trío juvenil junto a Alfredo De Franco y Lucas Di Salvo. Después vendrían las orquestas de Eugenio Nobile, Pedro Maffia y José De Caro, hasta desembocar en una experiencia fundamental: el sexteto de Elvino Vardaro, al que acompañó desde su nacimiento, en 1933, hasta 1937.

Allí estuvo, en primera fila, cuando el tango ensayaba nuevos caminos. No fue un simple ejecutante: aportó ideas para los arreglos y participó de aquella concepción renovadora que hizo historia.

Más tarde compartió música con Ciriaco Ortiz, acompañó a Francisco Fiorentino y codirigió un conjunto con Miguel Zabala, «Zabalita».

Pero si de perdurar se trata, allí está «Arrabal», tango de primer orden, anticipador de una nueva manera de sentir la milonga ciudadana. También dejó «Memorial», «Mi ruego», «Acusándote», «Unos pasos» y «Turbión de recuerdos».

El 2 de noviembre de 1978 partió José Pascual. Quedaron sus tangos, su piano y aquella manera de entender una música que nunca dejó de buscar nuevos horizontes.

Nacía hace 109 años: Fanny Loy, la cancionista parida por el silbato de las locomotoras | El Tordo Gotán

 

Nació en Cañada de Gómez y desde muy joven encontró en la radio, el teatro y el tango un camino que la llevó hasta Buenos Aires, Brasil y el cine. Fue cancionista, actriz, bailarina y compositora. Su historia quedó ligada a una época en la que una voz podía conquistar al público sin necesidad de dejar discos.

Anita Fanny Luchi, conocida artísticamente como Fanny Loy, nació el 25 de septiembre de 1917, en un barrio de Cañada de Gómez poblado por trabajadores del ferrocarril. Alguna vez recordó que sus primeros acompañamientos musicales fueron los silbatos de las locomotoras. Después llegó Rosario, la escuela, las fiestas familiares y una vocación que todavía no tenía nombre.

Primero fue el baile. Después apareció el canto. Una prueba en LT1 recibió un rechazo terminante: le dijeron que su voz era “antimicrofónica”. Fanny no escuchó aquel pronóstico. Insistió en LT8 y esa misma noche consiguió contrato.

En 1934 viajó a Buenos Aires junto al pianista Manuel Sucher para participar del concurso organizado por la revista “La Canción Moderna”. Ganó. El premio fue un contrato con Radio Belgrano, donde rápidamente se convirtió en una figura reconocida. La radio, el teatro y luego Radio El Mundo y Radio Prieto ampliaron su popularidad.

También cruzó fronteras. En Brasil actuó en Río de Janeiro y San Pablo. En 1941 José Agustín Ferreyra la llevó al cine con “La mujer y la selva”, película en la que interpretó “Rebeldías”, “Cuando se ama” y “La mujer y la selva”. Fue su única experiencia cinematográfica.

Fanny Loy también escribió canciones. Entre ellas quedaron “Resignación”, “Tango humorístico”, “Mañanita de campo” y “Ay nenita dame un beso”. No grabó discos, pero su voz sobrevivió en registros cinematográficos. Y así, entre la radio, el escenario y aquellas viejas películas, quedó la memoria de una artista que nunca aceptó que una primera puerta cerrada fuera el final de la historia.

A 111 años de su nacimiento: Luciano Leocata, el bandoneón que aprendió a dejar huella | El Tordo Gotán

 

El 25 de septiembre de 1915 nacía Luciano Leocata, bandoneonista, director y compositor. Transitó orquestas, radios, escenarios y giras, acompañó a grandes cantores y terminó construyendo una obra propia junto a Abel Aznar, con una curiosa señal de identidad: la letra “Y…” al comienzo de sus títulos.

El tango también se escribe con pequeñas historias. Algunas quedan prendidas en una melodía; otras sobreviven en una anécdota que parece mínima, pero que con los años termina contando mucho más de una época. Luciano Leocata escribió esa clase de historia.

De adolescente se acercó al bandoneón y tuvo como maestros a José Lopresti y Juan Barraco. Muy joven llegó a la orquesta de Juan Pedro Castillo y luego pasó por la formación de José Tinelli, con quien tocó en Radio Stentor, una de las emisoras pioneras de la radio argentina.

Después vendrían quince años junto a Florindo Sassone, con actuaciones en Radio El Mundo y giras por el interior. En 1944 integró, bajo la dirección de Enrique Alessio, la orquesta que acompañó a Alberto Castillo, vínculo que se prolongó durante una década. Más tarde trabajó junto a Héctor Pacheco, luego de la salida del cantor de la orquesta de Osvaldo Fresedo.

En 1959 llegó el momento de ponerse al frente de su propia agrupación. Radio Belgrano, el Marabú, Sans Souci y El Avión fueron algunos de los escenarios de aquella etapa, además de las grabaciones para Music Hall.

Pero había algo más. Junto al letrista Abel Aznar construyó varios éxitos y una curiosa marca autoral: “Y… volvemos a querernos”, “Y… mientes todavía”, “Y… todavía te quiero” y “Y… todo es mentira”. Todo nació por una casualidad burocrática: “Volvemos a querernos” ya estaba registrado. Le agregaron una “Y…” y aquella solución terminó convirtiéndose en sello.

Leocata partió dejando algo más que grabaciones: dejó una manera de contar el tango desde el bandoneón, la orquesta y esas pequeñas casualidades que, a veces, también hacen historia.

CUMPLEAÑOS DE UNA VOZ INCONFUNDIBLE: Amelita Baltar, Folclore, Tango y una vida de puro arte | El Tordo Gotán

 

Nació en Buenos Aires el 24 de septiembre de 1940. Llegó al tango desde el folklore y, de la mano de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer, se convirtió en una intérprete decisiva de una época que cambió para siempre la canción porteña.

Amelita Baltar llegó al tango, desde el Folclore, para inaugurar un estilo de interpretación que perdura hasta hoy. Nacida un 24 de septiembre de 1940, en Buenos Aires, comenzó cantando música criolla y transitó sus primeros escenarios lejos de imaginar que su nombre quedaría ligado para siempre a una de las grandes transformaciones de la música popular argentina.

En 1968, su primer disco como solista le valió el premio revelación en el Festival del Disco de Mar del Plata. Poco después, Astor Piazzolla la escuchó y la convocó para protagonizar “María de Buenos Aires”, la obra que compartió con Horacio Ferrer y que marcó un antes y un después en su carrera.

Desde entonces, aquella voz ronca, sensual y teatral se convirtió en parte esencial del universo piazzolliano. Estrenó más de treinta obras del binomio y puso su sello en páginas que todavía conservan intacta su capacidad de conmover: “Chiquilín de Bachín”, “La bicicleta blanca”, “Los pájaros perdidos” y, por encima de todas, “Balada para un loco”.

Llegaron luego París, Río de Janeiro, América Hispana, Europa y los escenarios más importantes del mundo. También el teatro, el cine y la televisión. Después de su separación artística y sentimental de Piazzolla, siguió construyendo su propio camino, incorporando tanto el tango tradicional como nuevas búsquedas.

Los reconocimientos fueron llegando: Diploma al Mérito Konex en 1995 y Konex de Platino en 2015. Pero quizá el premio mayor haya sido otro: permanecer. Hoy, al cumplir 86 años, Amelita Baltar sigue siendo aquella mujer que entendió que cantar no era solamente entonar una melodía, sino contar una historia con el cuerpo, la voz y el alma.

ANIVERSARIO DE SU NATALICIO: Enzo Valentino, una voz que nació entre carros y madrugadas | El Tordo Gotán

 

El 24 de septiembre de 1919 nacía en Correa, Santa Fe, Enzo Ángel María Cavenenghi, quien adoptó el apellido Valentino y construyó una extensa trayectoria como cantor. Entre payadores, radios, teatros y orquestas, llevó consigo la enseñanza de un padre italiano que cantaba en las madrugadas campesinas.

La voz de la personalidad de esta nota proviene de muy lejos. La de Enzo Valentino nació en Correa, entre carros, caballadas y aquellas madrugadas en las que su padre italiano cantaba mientras el pueblo dormía. Ese recuerdo quedó prendido para siempre en el hombre que, con el tiempo, llegaría a Buenos Aires y haría del canto un modo de vida.

Nacido el 24 de septiembre de 1919, Enzo Valentino descubrió muy temprano la fascinación por la voz. En 1933 escuchó a Carlos Gardel en Cañada de Gómez y años después, ya instalado en Buenos Aires, comenzó a buscar su propio camino. Radio del Pueblo lo presentó primero detrás de un antifaz y lo bautizó “Juan Pueblo”. Más tarde adoptó “Valentino”, apellido de su abuela francesa.

Estudió con Zulema Ibarra, Bonessi y los hermanos Rubistein. La técnica terminó de darle forma a aquella voz natural que llevaba desde la infancia. Compartió escenarios con figuras de su tiempo y fue cantor de la orquesta de Domingo Federico, además de actuar en teatros y locales populares.

Llegaron luego las grabaciones para TK, Radio Belgrano y una extensa etapa como solista. En su repertorio quedaron obras como “Recuerdos de una madre”, “Viejo sillón”, “Gigí” y “El nido vacío”.

Pero acaso su mayor legado haya estado en aquella frase paterna que conservó como una brújula: “Ser valiente es tener dignidad y honor”. Una enseñanza sencilla, nacida en un pequeño pueblo santafesino, que acompañó toda una vida dedicada a cantar.

A 121 años de su nacimiento: Francisco Fiorentino, la voz que encontró su inmortalidad junto a Pichuco | El Tordo Gotán

 

Nació un 23 de septiembre de 1905, en San Telmo. Fue bandoneonista, estribillista y, finalmente, uno de los grandes cantores de orquesta del tango. Junto a Aníbal Troilo dejó una marca que el tiempo no consiguió borrar.

Había nacido en San Telmo, cuando Buenos Aires todavía olía a barrio, a café y a tango recién estrenado. Francisco Fiorentino llegó al mundo el 23 de septiembre de 1905 y, con los años, terminaría convirtiéndose en una de esas voces que parecen quedar suspendidas en el aire, aun cuando el cantor ya no está.

Primero fue bandoneonista. Su hermano Vicente, violinista, descubrió en él una aptitud musical que Francisco alimentó estudiando con Minotto Di Cicco. Después llegaron las orquestas: Canaro, D’Arienzo, Cobián, Zerrillo, Maffia. En aquellos tiempos era estribillista, apenas una parte de la canción. Pero Fiorentino estaba destinado a otra cosa.

El encuentro con Aníbal Troilo, en 1937, cambió todo. Con Pichuco encontró el marco exacto para que su fraseo porteño, su calidez y esa voz pequeña pero profundamente emotiva alcanzaran otra dimensión. Durante seis años fueron una sociedad artística difícil de separar. De aquella etapa quedaron páginas memorables como “Tinta Roja”, “Barrio de Tango”, “Malena”, “Farol” y “El Cuarteador”.

Después vinieron Piazzolla, Basso, Mancione y otras orquestas. El brillo fue declinando, pero nunca la dignidad del cantor. Murió en Mendoza, el 11 de septiembre de 1955, pocos días antes de cumplir 50 años.

Quedó su voz. Quedó su estilo. Y quedó también aquella definición que parece escrita para él: “Para el verdadero cantor, el triunfo es sólo un complemento”.