A 123 años de su natalicio: César Ginzo, un bandoneón de San Telmo que dejó su huella en el tango | El Tordo Gotán

 

Nació en una cortada de San Telmo y, casi de casualidad, encontró en un bandoneón comprado mientras trabajaba de dactilógrafo el rumbo de una vida consagrada a la música. Integró orquestas fundamentales y recorrió escenarios de Europa y Buenos Aires.

En aquella cortada Luján, en el corazón de San Telmo, nació Justo César Ginzo el 29 de septiembre de 1903. El tango todavía buscaba su destino y aquel muchacho que se ganaba la vida como dactilógrafo de una empresa metalúrgica no imaginaba que un bandoneón iba a cambiarle para siempre el paisaje.

«Compré el primero siendo dactilógrafo... era marca El Argentino y su precio $350. Lo agarré al revés, pero me gustó y lo llevé», recordó muchos años después. No sabía música. Pero tuvo la fortuna de encontrarse con Domingo Julio Vivas, quien le enseñó de oído un puñado de piezas y lo empujó, casi sin proponérselo, hacia los escenarios.

En 1923 debutó en el Café Domínguez. Después llegaron Geroni Flores, Juan Carlos Bazán, Juan Carlos Cobián y aquel primitivo sexteto de Carlos Di Sarli que, aunque no llegó a registrar discos con Ginzo, quedó ligado a una de las historias más lindas de aquellos años: la composición de «Milonguero viejo (Fresedo)».

La década del treinta lo encontró viajando por España, Italia, Francia, las Islas Canarias y ciudades africanas. En Barcelona dejó registros junto a Geroni Flores. De regreso, volvió a asociarse con Armando Baliotti y más tarde condujo sus propias orquestas en radios, hoteles y locales de Buenos Aires.

También compuso. «Corazón callate un poco», «El tábano», «Sin ternura», «Noche de San Juan» y «En un rincón de Hungría» son parte de ese legado, al que sumó páginas folclóricas como «Camino de San Javier».

Ya retirado y radicado en Mar del Plata, César Ginzo partió el 11 de marzo de 1983. Pero el bandoneón que alguna vez tomó al revés había encontrado su camino. Y él, el suyo.

A 116 años de su nacimiento, el recuerdo de un pianista de estirpe tanguera: JOSÉ PASCUAL, EL PIANO QUE LE DIO NUEVOS AIRES AL TANGO | El Tordo Gotán

 

Nacido en Tucumán, el 28 de septiembre de 1910, fue uno de los intérpretes que contribuyeron a renovar el lenguaje de la música porteña. Pianista, director, compositor y arreglador, dejó su sello en el tango de avanzada y una obra que todavía resuena en la memoria de los buenos aficionados.

Fue de esos hombres que pasaron por el tango dejando mucho más que unas cuantas páginas musicales. José Pascual fue un temperamental, dueño de una personalidad bien definida y heredero de aquella escuela pianística que tuvo en Francisco De Caro, Osvaldo Pugliese y Armando Federico a sus principales referentes, supo ganarse un lugar entre los destacados cultores del instrumento.

Apenas contaba quince años cuando comenzó su carrera, allá por 1925, en un trío juvenil junto a Alfredo De Franco y Lucas Di Salvo. Después vendrían las orquestas de Eugenio Nobile, Pedro Maffia y José De Caro, hasta desembocar en una experiencia fundamental: el sexteto de Elvino Vardaro, al que acompañó desde su nacimiento, en 1933, hasta 1937.

Allí estuvo, en primera fila, cuando el tango ensayaba nuevos caminos. No fue un simple ejecutante: aportó ideas para los arreglos y participó de aquella concepción renovadora que hizo historia.

Más tarde compartió música con Ciriaco Ortiz, acompañó a Francisco Fiorentino y codirigió un conjunto con Miguel Zabala, «Zabalita».

Pero si de perdurar se trata, allí está «Arrabal», tango de primer orden, anticipador de una nueva manera de sentir la milonga ciudadana. También dejó «Memorial», «Mi ruego», «Acusándote», «Unos pasos» y «Turbión de recuerdos».

El 2 de noviembre de 1978 partió José Pascual. Quedaron sus tangos, su piano y aquella manera de entender una música que nunca dejó de buscar nuevos horizontes.

Nacía hace 109 años: Fanny Loy, la cancionista parida por el silbato de las locomotoras | El Tordo Gotán

 

Nació en Cañada de Gómez y desde muy joven encontró en la radio, el teatro y el tango un camino que la llevó hasta Buenos Aires, Brasil y el cine. Fue cancionista, actriz, bailarina y compositora. Su historia quedó ligada a una época en la que una voz podía conquistar al público sin necesidad de dejar discos.

Anita Fanny Luchi, conocida artísticamente como Fanny Loy, nació el 25 de septiembre de 1917, en un barrio de Cañada de Gómez poblado por trabajadores del ferrocarril. Alguna vez recordó que sus primeros acompañamientos musicales fueron los silbatos de las locomotoras. Después llegó Rosario, la escuela, las fiestas familiares y una vocación que todavía no tenía nombre.

Primero fue el baile. Después apareció el canto. Una prueba en LT1 recibió un rechazo terminante: le dijeron que su voz era “antimicrofónica”. Fanny no escuchó aquel pronóstico. Insistió en LT8 y esa misma noche consiguió contrato.

En 1934 viajó a Buenos Aires junto al pianista Manuel Sucher para participar del concurso organizado por la revista “La Canción Moderna”. Ganó. El premio fue un contrato con Radio Belgrano, donde rápidamente se convirtió en una figura reconocida. La radio, el teatro y luego Radio El Mundo y Radio Prieto ampliaron su popularidad.

También cruzó fronteras. En Brasil actuó en Río de Janeiro y San Pablo. En 1941 José Agustín Ferreyra la llevó al cine con “La mujer y la selva”, película en la que interpretó “Rebeldías”, “Cuando se ama” y “La mujer y la selva”. Fue su única experiencia cinematográfica.

Fanny Loy también escribió canciones. Entre ellas quedaron “Resignación”, “Tango humorístico”, “Mañanita de campo” y “Ay nenita dame un beso”. No grabó discos, pero su voz sobrevivió en registros cinematográficos. Y así, entre la radio, el escenario y aquellas viejas películas, quedó la memoria de una artista que nunca aceptó que una primera puerta cerrada fuera el final de la historia.

A 111 años de su nacimiento: Luciano Leocata, el bandoneón que aprendió a dejar huella | El Tordo Gotán

 

El 25 de septiembre de 1915 nacía Luciano Leocata, bandoneonista, director y compositor. Transitó orquestas, radios, escenarios y giras, acompañó a grandes cantores y terminó construyendo una obra propia junto a Abel Aznar, con una curiosa señal de identidad: la letra “Y…” al comienzo de sus títulos.

El tango también se escribe con pequeñas historias. Algunas quedan prendidas en una melodía; otras sobreviven en una anécdota que parece mínima, pero que con los años termina contando mucho más de una época. Luciano Leocata escribió esa clase de historia.

De adolescente se acercó al bandoneón y tuvo como maestros a José Lopresti y Juan Barraco. Muy joven llegó a la orquesta de Juan Pedro Castillo y luego pasó por la formación de José Tinelli, con quien tocó en Radio Stentor, una de las emisoras pioneras de la radio argentina.

Después vendrían quince años junto a Florindo Sassone, con actuaciones en Radio El Mundo y giras por el interior. En 1944 integró, bajo la dirección de Enrique Alessio, la orquesta que acompañó a Alberto Castillo, vínculo que se prolongó durante una década. Más tarde trabajó junto a Héctor Pacheco, luego de la salida del cantor de la orquesta de Osvaldo Fresedo.

En 1959 llegó el momento de ponerse al frente de su propia agrupación. Radio Belgrano, el Marabú, Sans Souci y El Avión fueron algunos de los escenarios de aquella etapa, además de las grabaciones para Music Hall.

Pero había algo más. Junto al letrista Abel Aznar construyó varios éxitos y una curiosa marca autoral: “Y… volvemos a querernos”, “Y… mientes todavía”, “Y… todavía te quiero” y “Y… todo es mentira”. Todo nació por una casualidad burocrática: “Volvemos a querernos” ya estaba registrado. Le agregaron una “Y…” y aquella solución terminó convirtiéndose en sello.

Leocata partió dejando algo más que grabaciones: dejó una manera de contar el tango desde el bandoneón, la orquesta y esas pequeñas casualidades que, a veces, también hacen historia.

CUMPLEAÑOS DE UNA VOZ INCONFUNDIBLE: Amelita Baltar, Folclore, Tango y una vida de puro arte | El Tordo Gotán

 

Nació en Buenos Aires el 24 de septiembre de 1940. Llegó al tango desde el folklore y, de la mano de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer, se convirtió en una intérprete decisiva de una época que cambió para siempre la canción porteña.

Amelita Baltar llegó al tango, desde el Folclore, para inaugurar un estilo de interpretación que perdura hasta hoy. Nacida un 24 de septiembre de 1940, en Buenos Aires, comenzó cantando música criolla y transitó sus primeros escenarios lejos de imaginar que su nombre quedaría ligado para siempre a una de las grandes transformaciones de la música popular argentina.

En 1968, su primer disco como solista le valió el premio revelación en el Festival del Disco de Mar del Plata. Poco después, Astor Piazzolla la escuchó y la convocó para protagonizar “María de Buenos Aires”, la obra que compartió con Horacio Ferrer y que marcó un antes y un después en su carrera.

Desde entonces, aquella voz ronca, sensual y teatral se convirtió en parte esencial del universo piazzolliano. Estrenó más de treinta obras del binomio y puso su sello en páginas que todavía conservan intacta su capacidad de conmover: “Chiquilín de Bachín”, “La bicicleta blanca”, “Los pájaros perdidos” y, por encima de todas, “Balada para un loco”.

Llegaron luego París, Río de Janeiro, América Hispana, Europa y los escenarios más importantes del mundo. También el teatro, el cine y la televisión. Después de su separación artística y sentimental de Piazzolla, siguió construyendo su propio camino, incorporando tanto el tango tradicional como nuevas búsquedas.

Los reconocimientos fueron llegando: Diploma al Mérito Konex en 1995 y Konex de Platino en 2015. Pero quizá el premio mayor haya sido otro: permanecer. Hoy, al cumplir 86 años, Amelita Baltar sigue siendo aquella mujer que entendió que cantar no era solamente entonar una melodía, sino contar una historia con el cuerpo, la voz y el alma.

ANIVERSARIO DE SU NATALICIO: Enzo Valentino, una voz que nació entre carros y madrugadas | El Tordo Gotán

 

El 24 de septiembre de 1919 nacía en Correa, Santa Fe, Enzo Ángel María Cavenenghi, quien adoptó el apellido Valentino y construyó una extensa trayectoria como cantor. Entre payadores, radios, teatros y orquestas, llevó consigo la enseñanza de un padre italiano que cantaba en las madrugadas campesinas.

La voz de la personalidad de esta nota proviene de muy lejos. La de Enzo Valentino nació en Correa, entre carros, caballadas y aquellas madrugadas en las que su padre italiano cantaba mientras el pueblo dormía. Ese recuerdo quedó prendido para siempre en el hombre que, con el tiempo, llegaría a Buenos Aires y haría del canto un modo de vida.

Nacido el 24 de septiembre de 1919, Enzo Valentino descubrió muy temprano la fascinación por la voz. En 1933 escuchó a Carlos Gardel en Cañada de Gómez y años después, ya instalado en Buenos Aires, comenzó a buscar su propio camino. Radio del Pueblo lo presentó primero detrás de un antifaz y lo bautizó “Juan Pueblo”. Más tarde adoptó “Valentino”, apellido de su abuela francesa.

Estudió con Zulema Ibarra, Bonessi y los hermanos Rubistein. La técnica terminó de darle forma a aquella voz natural que llevaba desde la infancia. Compartió escenarios con figuras de su tiempo y fue cantor de la orquesta de Domingo Federico, además de actuar en teatros y locales populares.

Llegaron luego las grabaciones para TK, Radio Belgrano y una extensa etapa como solista. En su repertorio quedaron obras como “Recuerdos de una madre”, “Viejo sillón”, “Gigí” y “El nido vacío”.

Pero acaso su mayor legado haya estado en aquella frase paterna que conservó como una brújula: “Ser valiente es tener dignidad y honor”. Una enseñanza sencilla, nacida en un pequeño pueblo santafesino, que acompañó toda una vida dedicada a cantar.

A 121 años de su nacimiento: Francisco Fiorentino, la voz que encontró su inmortalidad junto a Pichuco | El Tordo Gotán

 

Nació un 23 de septiembre de 1905, en San Telmo. Fue bandoneonista, estribillista y, finalmente, uno de los grandes cantores de orquesta del tango. Junto a Aníbal Troilo dejó una marca que el tiempo no consiguió borrar.

Había nacido en San Telmo, cuando Buenos Aires todavía olía a barrio, a café y a tango recién estrenado. Francisco Fiorentino llegó al mundo el 23 de septiembre de 1905 y, con los años, terminaría convirtiéndose en una de esas voces que parecen quedar suspendidas en el aire, aun cuando el cantor ya no está.

Primero fue bandoneonista. Su hermano Vicente, violinista, descubrió en él una aptitud musical que Francisco alimentó estudiando con Minotto Di Cicco. Después llegaron las orquestas: Canaro, D’Arienzo, Cobián, Zerrillo, Maffia. En aquellos tiempos era estribillista, apenas una parte de la canción. Pero Fiorentino estaba destinado a otra cosa.

El encuentro con Aníbal Troilo, en 1937, cambió todo. Con Pichuco encontró el marco exacto para que su fraseo porteño, su calidez y esa voz pequeña pero profundamente emotiva alcanzaran otra dimensión. Durante seis años fueron una sociedad artística difícil de separar. De aquella etapa quedaron páginas memorables como “Tinta Roja”, “Barrio de Tango”, “Malena”, “Farol” y “El Cuarteador”.

Después vinieron Piazzolla, Basso, Mancione y otras orquestas. El brillo fue declinando, pero nunca la dignidad del cantor. Murió en Mendoza, el 11 de septiembre de 1955, pocos días antes de cumplir 50 años.

Quedó su voz. Quedó su estilo. Y quedó también aquella definición que parece escrita para él: “Para el verdadero cantor, el triunfo es sólo un complemento”.

A 102 años de su nacimiento: Alberto Podestá, aquel muchacho que llegó a Buenos Aires con San Juan en sus venas | El Tordo Gotán

 

Nació en San Juan, conoció temprano las privaciones y aprendió a ganarse la vida cantando. A los dieciséis años entró en la orquesta de Miguel Caló y después llegaron Di Sarli, Laurenz, Francini-Pontier y una larga historia de tangos, amigos y escenarios. El tango fue su oficio, pero también, como él mismo decía, su vida.

El 22 de septiembre de 1924, San Juan vio nacer a Alejandro Washington Alé Podestá. Todavía no sabía que el destino le tenía reservado otro nombre, uno que quedaría para siempre prendido a la historia del tango: Alberto Podestá.

La infancia no fue sencilla. Murió su padre cuando era muy pequeño y hubo que trabajar para ayudar a la familia. Vendió chocolates en un cine y, mientras tanto, cantaba. En la escuela, una maestra lo llevó a la radio y aquel niño que aprendía las letras de Carlos Gardel recibió un apodo que lo acompañaría en sus comienzos: "Gardelito".

En 1939 llegó a Buenos Aires. Tenía apenas dieciséis años cuando Roberto Caló lo escuchó y lo acercó a su hermano Miguel. El 13 de diciembre de aquel año comenzó a cantar en una orquesta que reunía nombres destinados a ser grandes: Francini, Pontier, Maderna, Federico.

Después vendría Carlos Di Sarli, quien además de pulirlo como cantor le dio el nombre artístico definitivo. Pasaron Pedro Laurenz, Francini-Pontier, Julio Sosa, los encuentros con Troilo, las giras por América y cerca de quinientas grabaciones. "Alma de bohemio", "Garúa", "Percal", "Nada", "El milagro" y "Qué falta que me hacés" fueron quedando en una voz que nunca necesitó gritar para hacerse escuchar.

Podestá cantó en los grandes escenarios, volvió una y otra vez a los estudios y, ya octogenario, todavía encontraba motivos para emocionarse. "Estoy en una nube", confesaba entonces.

Murió en Buenos Aires el 9 de diciembre de 2015. Con el se iba el hombre, pero quedó el cantor. Y quedó también aquella frase que acaso resume toda su existencia: "El tango me dio la vida". Porque algunas voces no terminan cuando callan. Siguen sonando.

A cien años de su nacimiento: Héctor D'Esposito, un bandoneón que quedó sonando en Wilde | El Tordo Gotán

 

Nació en Wilde el 18 de septiembre de 1924 y murió demasiado pronto, cuando apenas contabaa 36 años. Bandoneonista, director y compositor, recorrió clubes, cafés, escenarios porteños y emisoras de radio. Dejó 36 grabaciones y dos composiciones que quedaron ligadas para siempre a su barrio: “Mi viejo Wilde” y “Puentecito de mi barrio”.

Héctor Oscar D'Esposito aprendió a querer el bandoneón cuando todavía era un chico y la música empezaba, muchas veces, en el comedor de una casa, entre familiares y amigos. Primero fue un trío, después un cuarteto y, casi sin darse cuenta, aquella aventura terminó convirtiéndose en su propia orquesta.

Wilde, Avellaneda y Quilmes conocieron sus primeras actuaciones. Después apareció Anselmo Aieta, y con ese empujón llegó el centro porteño: el Nacional, el Marzotto, el Tango Bar, la Confitería Ruca. También la radio, con pasos por Rivadavia, Belgrano, Porteña, Argentina y Del Pueblo.

Su orquesta fue una verdadera estación de paso para cantores como Osvaldo Rico, “Chicharrita”, Osvaldo Rivas, Raúl Alberti, Alberto Carriego, Héctor Landó, Mabel Gamizo, Jorge Ledesma, Roberto Grosso, Raquel Mayo y Alberto Cuello.

El disco también guardó su nombre. Fueron 36 registros para RCA-Victor, Music Hall, Bemol y Ambar. Entre ellos quedaron “Esta noche me emborracho”, “Cuando rondan los recuerdos”, “Andate con la otra”, “Fueron tres años” y “Secreto”, además de los instrumentales “Charamusca” y “El amanecer”.

A fines de los cincuenta comenzó a recorrer el interior. En una gira por Santa Fe, una pequeña herida en una pierna terminó en una infección gravísima. Aquello que parecía insignificante se convirtió en tragedia.

El 28 de marzo de 1961, el bandoneón de D'Esposito dejó de sonar. Contaba 36 años. Demasiado pronto para una carrera que todavía prometía mucho. Pero Wilde conservó sus canciones, y acaso allí, cuando cae la tarde, todavía queda algo de aquel bandoneón que aprendió a hablarle al barrio.

A 102 años de su nacimiento: JORGE CALDARA, EL FUEYE QUE LE PUSO FUEGO AL TANGO | El Tordo Gotán

 

Nació en el Abasto, creció en La Paternal y llegó a convertirse en una de las figuras más vigorosas de la Generación del Cuarenta. Bandoneonista, director, arreglador y compositor, dejó en el tango una obra que todavía respira.

Jorge Caldara no solamente pasó por el Tango sino que además quedó su nombre, en el género, escrito con las letras doradas con las que se recuerda a los grandes. Nació un 17 de septiembre de 1924, en aquella esquina de Anchorena y Córdoba donde el Abasto tenía todavía olor a barrio, a café y a bandoneón.

El muchacho quiso ser pianista, pero su padre, tanguero hasta los huesos, lo llevó hacia el fueye. A los catorce años ya estaba trabajando profesionalmente. Después vendrían Francisco Lauro, Alberto Pugliese y Emilio Orlando, hasta que en los años cuarenta llegó el encuentro decisivo: Osvaldo Pugliese.

Allí Caldara encontró su lugar. Su bandoneón tenía fuerza conductora, empujaba la fila y le daba nervio a una orquesta que estaba escribiendo una página fundamental del tango. Junto a Osvaldo Ruggiero formó una dupla memorable. Y no sólo tocó: también compuso. “Patético”, “Pastoral”, “Pasional” y “Por pecadora” quedaron ligados para siempre a aquel sonido.

Después se animó al Japón, donde llevó el tango y armó una orquesta con músicos locales. Regresó a Buenos Aires, dirigió sus propios conjuntos, integró las “Estrellas de Buenos Aires” y continuó creando aun cuando el género atravesaba horas difíciles.

El destino le concedió apenas 42 años. Pero alcanzó para dejar una obra que no envejece. Porque cuando Caldara apretaba el fuelle, como escribió Julián Centeya, el bandoneón dejaba de ser una cosa para convertirse en carne y espíritu.

Y eso, en el tango, es quedarse para siempre.